内容摘要：周杰伦新歌“说好不哭”上线即上热搜。仅12小时，单平台认证单曲售出500万张，销售额突破1500万元，达成首个最快突破殿堂金钻唱片等级认证的数字单曲。
周杰伦新歌“说好不哭”上线即上热搜。仅12小时，单平台认证单曲售出500万张，销售额突破1500万元，达成首个最快突破殿堂金钻唱片等级认证的数字单曲。
MV在不到两天的时间在You Tubebe上的播放量突破1000万，创造了华语MV在油管最快突破1000万播放记录。
但对于这首歌却有很多不同的声音。有人说，周杰伦江郎才尽，新歌里很多旋律都是以往作品改编的。
也有人说，周杰伦是华语音乐的一颗巨星，不可动摇的音乐符号。这个时代很难再出一位歌手，能像周杰伦这样玩转各种曲风且作品保质保量。而且他的“基本功”很扎实，即兴创作能力强，音乐才子真不是盖的。
不管如何，他的名字已经成为流量的保证，让人看到他的名字，就想给他打钱。
当一种文化成为潮流，一个独特的时代标志，它产出的效益和引发的轰动都是十分惊人的。就像下面这几位把艺术做成商品，名利双收赚得盆满钵满的富豪艺术家。
还记得今年6月份的优衣库哄抢T恤事件吗？很多人为了买T恤而大打出手，丧尸式抢购让人震惊。
一件简单的T恤，因为多了Kaws的图案，就引起粉丝连夜排队、打架式疯抢！连印有Kaws图案的购物纸袋在网上都能溢价十几倍……
【Kaws：从街头到拍卖行，艺术屌丝的1个亿逆转！】
Kaws（原名Brian Donnelly），1974年生于美国新泽西州。他是从默默无闻的恶搞涂鸦设计师一跃成为全球知名的街头艺术家。
在2019年香港苏富比春拍中，其作品《The KAWS Album》以1.159亿港元成交。
kwas价值1.159亿元的《The KAWS Album》压克力画布 2005
这张作品构图源自《辛普森一家》中的原声带《The Yellow Album》的封面，而《The Yellow Album》的封面则恶搞了披头士乐队于1967年发行的专辑《Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band（佩伯中士的孤独之心俱乐部）》的封面恶搞版本。
派伯中士的寂寞芳心俱乐部乐队，披头士1967年发行
Kaws参照专辑的构图，加入自己的经典元素“重组再造”，然后就卖出了上亿元。连他本人都震惊了“我不认为自己的作品值那么多钱”。
曾经Kaws热衷于在纽约街头涂鸦巴士站或电话亭的商业广告海报，不同于一般的涂鸦者，他总是在广告海报上加上自己独创的涂鸦图案，恶搞意味十足。
虽然他的街头涂鸦作品只是局部创作，但总能在保留原本设计的同时增添趣味性，突出自己的符号，模糊商业和艺术之间的界限。
跟风的潮人们谁拥有一件Kaws的艺术品呢？但他的立体玩偶公仔Companion不仅价格高昂（美国官网售价950美元，约人民币6700元），而且上线即被抢购一空，想买也买不到。
Kaws和Dior的联名款同样价格高昂，随随便便好几千大洋。所以相比之下Kaws和优衣库的合作款售价99元也是相当“白菜价”。
并且优衣库的联名款已经连续出了三年，今年是最后一年。潮流标签的王牌加上即将停产的“稀缺”，于是有了前面的丧尸式疯抢T恤现象。
艺术一旦量产成为商品，就会影响它本身作为艺术品的价值。Kaws的成功是街头艺术的胜利，也是探讨艺术未来可能性的一个方向。
在资本主义盛行的时代，艺术和商业从来都分不开。有的艺术家个性低调“闷声发大财”，而有的艺术家却不羞于贪钱，喊着“用艺术赚钱”的口号，造就着自己的艺术风潮。
【村上隆：不会赚钱的画家不是好艺术家】
村上隆(Murakami Takashi)1962年出生于日本东京，是一位深受年轻人喜爱的潮流艺术家，也是日本当代艺术的标志性人物。
自从2003年有一幅作品被以六千八百万日元交易以来，他的作品就被形容是“日本人单件艺术作品的史上最高价”。
他的画风童趣、鲜艳，是与西方追求的立体效果感完全相反的超扁平化风格。其中最具标志性的元素就是浮夸的太阳花。
村上隆从不避讳谈“钱”，因为他知道艺术需要金钱支撑，没有钱，就没办法自由的创作。村上隆的父亲是东京街头的出租车司机，家境不富裕他经历过“买了画具就没钱吃饭”的困窘，因此更加明白金钱的对艺术的重要性。
这也让他敢于直面自己的欲望，公开宣称：“成功就是金钱，做艺术就是为了赚钱”。带着这样的原动力，村上隆一步步增强着自己的商业价值，通过各种生意把艺术做的风生水起。
除了艺术家外，村上隆也扩展到制作电影和动画，经营画廊和咖啡，“这些项目最后都会作为我的作品，但管理真的所费不赀，每天我向上苍祈祷，『神啊，拜托不要让我的公司倒闭。』”
“所以基本上，只要公司不倒，我就会很开心，并且持续创作，直到我挂掉为止。”
村上隆是当代日本艺术家中极具影响力的一位，他是后现代艺术风格——超扁平( Superflat )运动创始人，从一次名为“超扁平”的展览开始，村上隆将日本动漫的浪潮带进了全球最顶尖的画廊、美术馆。
太阳花、米老鼠、骷髅头等扁平化的特征和夸张的配色、重复出现的简单造型，都是村上隆独一无二的招牌艺术，在流行文化中留下一抹浓重的色彩。
如今，在村上隆将“超扁平”打造成一种艺术风格，影响了日本国内外的艺术创作者，也刷新了整个艺术行业的审美认知。
大部分艺术家都把“艺术”做成了“生意”，而杰夫·昆斯就不一样了，把“生意”做成了“艺术”。
【杰夫·昆斯：我的作品没有最贵，只有更贵】
杰夫·昆斯 (Jeff Koons) 1955年出生于美国宾夕法尼亚州的约克郡，是美国当代最著名的波普艺术家之一，也是艺术作品最昂贵的在世艺术家之一，被称为是安迪·沃霍尔德接班人。
他是第一个在凡尔赛宫开办个展的当代艺术家，作品多次刷新在世艺术家作品拍价之最。
2019年纽约时间5月15日，佳士得纽约战后及当代艺术晚拍中，传杰夫·昆斯争议之作《兔子》现场以4000万美金起拍，最终是以8000万美元落槌，加佣金以9107.5万美元成交，折合人民币6.26亿元成交。
这项记录刷新了杰夫·昆斯的全球最高价纪录，也让他夺回曾经属于自己的在世艺术家最贵纪录。此前杰夫·昆斯纪录是由橙色巨型装置作品《气球狗》5840.5万美元所创造，而后被大卫·霍克尼《艺术家肖像》以9031.25万美元的价格刷新。
杰夫·昆斯不仅是当代“最成功”的艺术家之一，还是一名“金牌”推销员。
21岁时他在纽约现代艺术博物馆MoMA销售会员证，仅仅两年就把MoMA的会员数量翻了一番，也因此获得了“MoMA高级代表”的职位。
对此，杰夫本人毫不谦虚地表示自己是“MoMA博物馆有史以来最成功的销售员。”
也难怪他如此自信，不管是在推销工作上，还是当职业艺术家，他都得心应手如鱼得水。而且他对许多艺术家极力否认或回避的概念和话题也毫不含糊，例如消费主义。
“在这个资本泛滥的社会里，艺术品不可避免地要成为商品……我们不要再兜圈子了，还是一上来就当艺术品是商品一样生产吧。”——杰夫·昆斯
他延续了安迪·沃霍尔提出“艺术工厂”的概念，把艺术当成产品，以严格的标准生产执行。甚至为此设计了一套颜色系统，以使每一种颜料的使用都是被控制的，“一切都是一个系统，可以像我做的那样控制每个手势。”
在杰夫·昆斯眼里，艺术更像一门生意。多年来他的工作室一直都是全球最大的艺术家工作室之一，由100多名助手组成。
在他的“艺术工厂”里，他更像一名“厂长”，亲自指导和管理每一个艺术项目，但从未亲手完成过任何一件作品。他用一些概念和方式把消费品提高到艺术品的级别，然后推出市场，转手卖给有钱人。
虽然杰夫·昆斯经常陷入抄袭的司法纠纷中，但在商业艺术上，他是成功的。他的高价雕塑开创了艺术产品化的新模式，同时也引发了大家对商业艺术的思考，成为艺术家灵感创作的新思路。
艺术不是绝对高雅，商业也并非庸俗。艺术产品是大众接触艺术最直接的方式，当风格、文化成为一种流行风潮，自然会被追捧，让大众选择主动消费，抢着掏腰包。当艺术被消费，又将进一步推动艺术的创新与发展。
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